Geriausi 15 2015 m. Filmų, pasak „Indiewire“ kino kritiko

Kokį Filmą Pamatyti?
 


SKAITYTI DAUGIAU: PODCASTAS: Mūsų mėgstamiausi 2015 m. Filmai





Kiekvienais metais skundai būna vienodi: per daug filmų ir nepakankamai puikių. Visuomenės sąmoningumui dominuoja didžiosios palapinės, o televizija - karalystė. Apdovanojimų sezonas kanibalizuoja rimtą diskursą, o platintojai stengiasi, kad nuotykių kupinas darbas išsiskirtų. O ir kam reikalingas viso ilgio turinys, kai „YouTube“ turite vaizdo įrašų su katėmis?

Jūs žinote, kad grąžtas: petnešos kino pabaigai. Tą patį laiką kitais metais?

Kai kuriuose ar visuose iš šių kintamųjų gali būti tiesos branduoliai, tačiau jie kartu atitraukia nuo vertingesnių pokalbių apie tiek daug turtingų pastarojo meto natų kinematografinės patirties. Kaip įprasta, visi, kurie mano, kad tai buvo blogi metai filmams, tiesiog nepakankamai matė.

Nuo 2015 m. Sausio mėn. Dalyvavau beveik dešimtyje filmų festivalių ir žiūrėjau šimtus pavadinimų (tam tikru metu aš nustojau skaičiuoti vasarą). Tačiau šis sąrašas priskiriamas filmams, kurie buvo išleisti ar bus išleisti tam tikru būdu per 2015 kalendorinius metus, įskaitant kelis, kuriuos iš pradžių aprašiau praėjusiais metais.

Tai dar nepalengvina darbo. Nors šie 15 finalininkų demonstruoja mano absoliučius favoritus iš praėjusių 12 mėnesių, daug vertos medžiagos nepadarė pjūvio. Kitais metais šiame sąraše galėjo būti apie 40 nelyginių, įskaitant „Sils Maria debesys“, „Mergystė“, „La Sapienza“, „Ned šautuvas“, „Chi-Raq“ ir „Ką mes darome šešėliuose“. Jie išlieka siaubingais laimėjimais, kuriuos verta švęsti, ir man skaudu juos palikti. (Ištikimi skaitytojai gali pastebėti, kad sąrašo išdėstymas šiek tiek skiriasi nuo išdėstytojo šios savaitės „Screen Talk“ apklausoje - tai dar daugiau įrodymų, kad šio proceso tendencijos yra subtilios.)

Tačiau šiomis dienomis kuratorius yra esminis dalykas, į kurį reikia atkreipti dėmesį, ir jei ieškote priežasties patikėti nuolatiniu filmų gyvybingumu, geriausia pradėti nuo šių brangakmenių.

15. „Arklio pinigai“


Portugalų režisierius Pedro Costa jau eksponavo karo traumų demonus ir neramumus klasėje su keliais filmais, naujausiais su „Kolosaliu jaunimu“. Ši 2006 m. Juosta buvo trečioji nenuosekliame Lisabonos kaimynystėje „Fontainhas“ ir buvo skirta Žaliojo Kyšulio imigrantų sunkumams. persekiojama šalies gvazdikų revoliucijos. „Kolosalus jaunimas“, kuriame vaidino tikrojo gyvenimo imigrantas „Ventura“, kai jis dreifavo po miestą ir svarstė apie savo neramų egzistavimą, sekė „Ossos“ ir „Vandos kambarys“, kad sudarytų neoficialią „Fontainhas“ aprašytų eksperimentinių pasakojimų trilogiją ir tyrinėtų jo sunerimusią būseną. Dabar trilogija tapo žaviu kvartetu su „Arklio pinigais“. Tai dar vienas tamsiai poetinis Fontainos skurstančių gyventojų tyrimas per tylius Ventura klajonių po Ventura objektyvą.



Turtingas, beveik neįtikėtinai keistas Costa lėtai degančio abstraktaus pasakojimo pavyzdys „Žirgo pinigai“ yra menkesnis ir paslaptingesnis nei jo pirmtakai, kur jį labiau būtų galima apibūdinti kaip kino tono eilėraštį. Kiekviena nauja scena žengia į stebėtiną teritoriją, tiesiai į ilgą kulminaciją, nustatytą lifto ribose. Nuolat persekiojantis ir gražus „Žirgo pinigai“ yra puikus pokalbių pradininkas, neturintis lengvų atsakymų, tačiau begalinis interpretacijų.

14. „Gentis“


Ukranų režisieriaus Myroslavo Slaboshpytskiy'io pirmoji ambicija nėra „Diabeto“ kalbėto dialogo tema, tačiau kitais būdais ji yra triukšminga. Išskirtinai įsikūręs kurčiųjų moksleivių internatinėje mokykloje ir aplink ją, „Slaboshpytskiy“ istorija niekada nesivargina su subtitrais, versdama visus, kurie nėra gestikuliacijos dalyviai, atidžiai stebėti kiekvieną artimųjų gestą. Tai gali atrodyti kaip bauginanti užduotis, tačiau Slaboshpytskiy sugeba sužavėti patirtimi įkaitintais judesiais ir pašnibždomis keičiantis savo veikėjais. Kaip sąvoka „Gentis“ daugiau bendra su nebyliu kinu, tačiau jos specifiniai ritmai neturi precedento. Tačiau „Be šių unikalių kintamųjų“, „Gentis“ taip pat yra viena iš visų laikų juodžiausių šio laikmečio dramų, žadinanti pasaką apie jaunus gaujos narius ir beviltiškus meilės reikalus, paneigiančius kalbines kliūtis.



13. „Burgundijos hercogas“


Peterio Stricklando gyvybinga drama „Penkiasdešimt pilkų atspalvių“ (prieš tai pradėta šių metų pradžioje), prieštaringoje programoje nagrinėjant sadomašistinę dviejų moterų romantiką - vadovaujant Europos dešimtmečių senumo Europos seksualinio seksualumo vaizdavimo filmams - ir išryškina savotišką savitumą. jų pritraukimo pobūdis, nepaverčiant jo pradiniu lynu. Filmui pasibaigus, keista antika yra keista. „Strickland“ remiasi eksperimento metodu, kurį paskutinį kartą pritaikė garsų apsėstoje „Berberų garso studijoje“, naudodamas elegantiškus vaizdinius motyvus (įskaitant išmintingą nuorodą į Stano Brakhage'o „Mothlight“), kurie iš pažiūros absurdišką prielaidą paverčia seksualizuotos pasakos vaizdais.



12. „Paauglystės dienoraštis“


Pirmą kartą režisierės Marielle Heller adaptacija pripažintame grafiniame romane yra stulbinamai šviežias paauglių seksualumo suvokimas per jaunos moters besivystančios pasaulėžiūros perspektyvą. 7-ojo dešimtmečio San Fransiske, kaip vardinė diaristė Minnie, Bel Powley įkūnija savo personažą vienodomis žavesio, naivumo ir maištaujančios energijos dozėmis, nes ji įsimyli vyresnį vyrą (Alexanderį Skarsgardą), kuris tuo pat metu pažįsta Minnie motiną (Kristen Wiig). . Helleris derina sudėtingas animacines sekas su atvirais sekso scenomis ir dramatiškais pasirodymais, kuriuos tvarkingai apibūdina Minnie poreikis apdoroti kiekvieną detalę. Jos besivystanti individualybė yra užkrečianti, ir pagaliau mes esame čia pat su ja.



11. „Ex Machina“


Jei to dar nebuvo imtasi, pakaitinis Alekso Garlando gražiai nufilmuoto mokslinio trilerio pavadinimas gali būti „Mašinų kilimas“. Alex Garlando debiutinis vaidybinis filmas derina vėsų Stanley Kubricko estetiką ir labirintinį pasakojimą beveik išimtinai. atsidūrė futuristinės laboratorijos ribose. Kaip beprotiškas mokslas, turintis niūrią darbotvarkę, apimančią dirbtinio intelekto plėtrą, Oskaras Izaokas pateikia savo iki šiol komandiškiausią pasirodymą, skleisdamas tiek baisų, tiek linksmą ritmą. Kai jaunasis tyrėjas pasamdytas padėti jam (Domhnall Gleeson), įsimylėjęs vieną iš mokslininkės prototipų (Alicia Vikander), „Ex Machina“ pamažu virsta kito lygio išgyvenimo istorija, kurioje bent vienas išgyvenimo motyvas egzistuoja už mūsų ribų. supratimas (užuomina: tai nėra vienas iš žmogaus charakterių). Tai numatyta ateityje, tačiau „Ex Machina“ yra aiškus akys apie mūsų tvirtą santykį su technologijomis ir šiandien.



10. „Karolis“


Nors Toddo Hayneso „Karolis“ yra išmatuotas ir ištikimas Patricijos Highsmith 1952 m. Lesbietiškos romantikos „Druskos kaina“ adaptacija, neabejotina, kad ji yra susijusi su kitu režisieriaus darbu. Nuo pat pirmųjų dienų su „Superstar: The Karen Carpenter Story“ ir „Safe“, Haynesas iš šiuolaikinių kultūrinių atskaitos taškų sukūrė sudėtingesnius pasakojimus. Vaidindami Cate Blanchett ir Rooney Mara aukščiausią formą kaip moterų porą, suburtą kartu nepaisant įkyrių vyrų, „Carol“ neabejotinai žymi labiausiai Haynes'o darbą, nors tai taip pat parodo režisieriaus kelių laikotarpių dramų, vykusių prieš jį, įtaką. - įskaitant jo „Mildred Pierce“ miniatiūras, skirtas HBO, ir, svarbiausia, kad 2002 m. Buvo pakeistas Douglaso Sirko melodrama „Tolimas iš dangaus“. Vis dėlto, kai šie projektai išreiškė didžiulį temų rinkinį plačiais potėpiais, „Karolis“ juos įtraukia į niuansuota pasaka apie abipusį patrauklumą, atspindinti filmo kūrėją ir aktorių, veikiantį pagal savo galias, perteikiantį sudėtingas aplinkybes įspūdingai asmeniškai. Tai išskaido Hayneso, kaip pagrindinio amerikiečių kino režisieriaus, talentą ir suteikia sveikinamą priminimą, kad jis vis dar yra tas, geriau nei bet kada.



9. „Šuns širdis“


Įsimenamų šunų panteone naujausiame kine - nuo „Artist“ šturmano Uggie iki Jeano-Luco Godardo „Goodbye to Language“ žvaigždės Roxy - dabar galima pridėti Lolabelle, vėlai pianinu grojantį žiurkių terjerą, priklausantį Laurie Anderson ir sveikino savo maišomame esė filme „Šuns širdis“. Nors 68-erių spektaklio režisierius ne režisavo filmo nuo savo 1986 m. koncertinio filmo „Drąsių namai“, naujasis kūrinys yra gyvas su lyriškomis įžvalgomis. dailininkas veteranas. Panaudodamas savo mylimą vaiką kaip atspirties tašką platesniems filosofiniams pastebėjimams, Andersonas pateikia unikalų langą jos kūrybiniam protui. „Lo-fi“ vaizdo vaizdų, animacijos ir nejudančių vaizdų koliažas „Šuns širdis“ pasakojamas Andersono pasakojimu apie savo santykius su Lolabelle ir paties šuns muzikinę karjerą. Gyvas dienoraščio filmas, paremtas Chriso Markerio tradicijomis, filme gluminantis jausmas apie viską, nuo nerimo po rugsėjo 11 dienos iki Tibeto gyvenimo (ir tikriausiai tam tikrų užuominų į filmo vyro vyrą, velionį Lou Reedą). Andersonas parašė galingą partitūrą ir sukūrė animaciją; tai tikrai menininko, kurio talentas peržengia bet kurios laikmenos ribas, rankinis asmeninio kino kūrinys.



8. „Taksi“


Jafar Panahi kurį laiką dirbo suvaržytais Irano vyriausybės, tačiau „Taxi“ yra dar vienas įrodymas, kad tokie apribojimai tik paskatino filmo kūrėją ieškoti novatoriškų požiūrių. Nors „Tai nėra filmas“ ir „Uždaroji uždanga“ Panahi atrado tyrinėjantis pasakojimo strategijas įvairių namų ribose, „Taksi“ pagaliau paleidžia jį iš taksi kabinos vairuotojo vietos. Kai Panahi su maža dukterėčia keliauja aplink Teheraną, jo klientai pateikia žavią tautinės tapatybės apžvalgą, tačiau būtent pati Panahi tampa pagrindiniu susižavėjimo veikėju. Pasakotojas ir subjektas sukuria nuostabų savo paties meilės ir neapykantos santykio su aplinka dokumentą. Nepaprastai juokingas, kai jis nėra jaudinantis ir liūdnas, „Taxi“ yra puikus filmo demonstravimo pavyzdys - ir įtikinama priežastis, kodėl jo situaciją reikia gerinti.



7. „Anomalija“


Jei painūs „Būti Johnu Malkovichu“, „Adaptacija“ ir „Synecdoche, Niujorkas“ posūkiai susilietų su „Amžiaus beprasmio proto saulės spinduliais“ ir susidurtų su „Roboto vištienos“ epizodu, rezultatas gali būti panašus į savotiška animacinė odisėja „Anomalisa.“, kurią režisavo Charlie Kaufmanas ir kunigaikštis Johnsonas, filmas užgožia Kaufmano potraukį savotiškoms sielą tyrinėjančioms proto kelionėms į jų natūralią būseną: keista audiovizualinė kelionė per neramią mintį, kuri yra atsiskyrusi nuo realybės ir suderinta. į savo neapykantos paslaptis. Pirmasis Kaufmano režisūros kreditas po „Synecdoche, Niujorkas“ su paslaptingu keliaujančio motyvavimo pranešėjo portretu, išliekančiu „Kafkaesque“ išgyvenimais viešint drabiame viešbutyje.



Remdamasi 2005 m. Radijo laidos „Kaufman“ užuominomis, „Anomalisa“ mano, kad jos veikėjas girdi, kad visi kalba tuo pačiu balsu („Tomo Noonano“, tobulai), išskyrus drovų gerbėją, kuris, jo manymu, gali būti visų jo problemų sprendimas (Jennifer Jason Leigh). . Kaufmano scenarijus nukreipia nuo labai keistų akimirkų iki intymių mainų, o „stop-motion“ požiūris jį išlaisvina nuo realybės suvaržymų, net jei pasakojimas išsprendžia tikrus rūpesčius. Jaudinantis, liūdnas ir linksmas filmas - pats sudėtingiausias romantiškos painiavos pasakojimas nuo pat jo scenarijaus „Amžinasis beprasmės proto saulės spindulys“ scenarijaus, o dar drąsiau papasakotas, nes jis buvo padarytas už studijos sistemos ribų. Nors jo darbai dažnai buvo gerai tvarkomi kitų režisierių, paaiškėja, kad nefiltruotas Kaufmanas gali būti pati geriausia rūšis.

6. „Mad Max: Fury Road“


Nudegusi raudona žemė, odą dengiantys baikeriai, nenuoseklios metalinės galvos ir akmenimis besinaudojantis kelių žodžių veikėjas: Tai yra pažįstami broliai George'o Millerio negailestingai patenkintai „Mad Max“ visatai, kuri ir toliau žavi kaip niekada Australijos režisieriaus ilgai lauktai ketvirtasis įrašas - kinetinio tono eilėraštis didžiųjų rūbų drabužiuose. „Mad Max“ ne tik vaizduoja konfliktus su piktadariais susiklosčiusiame gyvenime, bet ir pateikia retą alternatyvą agresyviai kvailiems veiksmo filmams. Didelio poreikio metu Maksas vėl važiuoja.



5. „Buzzard“


Joelio Potrykaus niūrus debiutinis vaidybinis filmas „Ape“ sekė pasipiktinusio standupo komiko, kuris stengiasi sudurti galą, išnaudojimai. „Buzzard“ taip pat orientuotas į žmogų ekonominės maisto grandinės apačioje, kuris kovoja siekdamas išsisukti, maišydamas bėdą visomis kryptimis. Tai taip pat tikrai nuostabi šiuolaikinė frustracijų satyra. Kaip ir „Office Space“ apie plyšį, filmas sukasi apie piktą jauną programuotoją („Ape“ žvaigždę Joshua Burge), kuris atsitiktinai vagia pinigus iš jį įdarbinančio banko, eikvodamas savo dienas su tokiu pat kryptingu draugu, valgydamas žetonus ir žaisdamas vaizdo žaidimus. rūsio palėpėje, pavadintoje „vakarėlių zona“. Bet kai sukčiai sučiupo jį, veikėjas pamažu praranda savo mintis vis labiau siurrealistinių ir stebėtinų įvykių serijoje, kuri apima, be kitų dalykų, bėgimo takelį, skubią Freddy Kruegerio pirštinę, ir vienas labai ilgas užkandis, apimantis makaronus. Pabaigoje, kaip ir Martino Scorsese'o „After Hours“, Potrykaus labirintinis farsas yra toks įtikinamai keistas, kad reikia tiesiog su juo važiuoti ir susitaikyti su tuo, kas jis yra: nuovokus žvilgsnis į tai, ką reiškia bandymas pabėgti iš sistemos ir vėjo nuniokotas.



4. „Balandžio šeštadienis filiale, atspindintis egzistavimą“


Roy Anderssono baigiamasis įrašas apie savo „trilogiją apie žmones“ kilo ant panašiai neatsiejamų ir siurrealistinių „Dainos iš antro aukšto“ ir „Tu, gyvasis“ kulniukų, taigi jos linksmai nenugalima vinjetių kolekcija pasirodė kaip ne staigmena. Bet net ir turėdamas tam tikrus lūkesčius, niekas negalėjo numatyti, kad „balandis“ bus geriausias iš puokštės, o kartu ir meistriškas kino pasiekimas. Švedų režisieriaus komedija „Auksinis liūtas“ (laimėjusi „Auksinį liūtą“ Venecijoje netrukus po atrankos į TIFF) seka saujelę personažų, įskaitant porą trokštančių pardavėjų, mėgstančių vakarėlius, keistame pasaulyje, kur gali nutikti bet kas. Viena scena, esanti baisiame bare, stebuklingai virsta muzikiniu numeriu, kuris nustatomas pagal „Respublikos mūšio himną“; kitame bare 19-ojo amžiaus kareiviai įsiveržia į šiuolaikinį stalą ir yra paslaptingi, nes yra be galo linksmi.



Tačiau Andersson'o amžinai keistas pasakojimas, kuris pasiekia viršūnę persekiojant sapnų seką, vaizduojančią masinį skerdimą, yra žlugdanti savybė. Net tada, kai „balandis“ sutemsta, jis niekada nepraranda pasaulinio polinkio. Jau tada, kai būtina pamatyti savo vaizdų unikalumą, „balandis“ galiausiai pasiekia šedevro teritoriją, kai vaizdai atvyksta į gilesnės reikšmės vietą.

3. „Dangus žino ką“


Broliai „Safdie“ yra vieni iš nedaugelio Niujorko filmų kūrėjų, kurie užfiksuoja niūrias ir požemines miesto savybes, nemažindami jo gyvesnių ingredientų, nes tai aiškiai parodo pirmieji du pasakojimo bruožai - „Daddy Longlegs“ ir „Malonumas būti apiplėštamiems“. Tačiau meistriškas „Dangus žino, kas“ tą potencialą pakelia į naują lygį, parodydamas jauno heroino narkomano, kurį vaidina naujokė Arielle Holmes ir remdamasis tikra patirtimi, išgyvenimus, kai ji susiduria su savo destruktyviu draugu (Caleb Landry Jones). Pagalvok, ar „Vaikai“ susitinka su „Panika adatų parke“: negailestingas pasakojimas apie priklausomybę, kuri yra visiškai tikėtina ir įtraukianti, vaizduojanti personažų pasaulį, esantį arti mirties, ir sunkiai kovojanti nuo jo išvengimo. Kai kurie pirkėjai gali suklusti dėl tokio niūraus filmo platinimo, tačiau tai yra tas pats žvalumas ir intensyvumas, dėl kurio „Dangus žino, ką“ reikia pamatyti: Tai yra kalbėjimo taškas apie priklausomybės pavojus, bet taip pat galingas trileris, peržengiantis lūkesčius kiekviename žingsnyje.



2. „Mandarinas“


Rašytojas-režisierius Seanas Bakeris tyrinėjo atstumtųjų amerikiečių veikėjų gyvenimus nuolat žavinčioje netradicinių projektų serijoje. Jos svyravo nuo žlugdančių žemesniųjų klasių imigrantų filmuose „Išeik“ ir „Brodvėjaus princas“ iki siaučiančios aktorės „Starleto“ įspūdžių, dėl kurių Bakeris pateikė tą patį niuansų požiūrį į mažai tikėtiną taikinį. Naujausias jo filmas „Tangerinas“ jaučiasi labiau suderintas su dviem ankstesniais bruožais, o tai yra labai geras dalykas: Šioje sumaištyje ir beprotiškai linksmame šurmulyje, kai dvi transseksualios prostitutės Los Andžele Kūčių vakarą išgyvena įvairias dramas, Bakeris vėl sugeba Suderinkite nepakankamai atstovaujamus veidus Amerikos kine su medžiaga, leidžiančia spindėti jų asmenybėms. Vieną dieną rodomas energingas filmas vaidina kaip bičiulių komedija, nes kolegos prostitutės Sin-Dee (Kitana Kiki Rodriguez) ir Alexandra (Mya Taylor) klaidžioja po L. A. ir patiria daugybę nesėkmių. Jų sielvartas priima nieko neįtariantį varžtų sraigtą - apgaulingą triuką, kuris sugeba padaryti jų pasaką universalią. Tai progresyvus, ribas stumiantis pasakojimas taip žaviai, kad jo drąsiosios savybės pasinėrė į paveikslą. Galutinis įspūdis yra tas, kad, nepaisant didesnių iššūkių, šie nuotaikingi miesto personažai triumfuoja tiesiog išgyvendami dar vieną džiovos dieną.



1. „Sauliaus sūnus“


Holokausto dramos idėja bėgant metams tapo tokia niūri ir nuspėjama, kad istoriniai įvykiai buvo perdaryti į formulę. „Sauliaus sūnus“ taiso įrašą. Vengrų režisieriaus Lazlo Nemeso nuostabios pirmosios vaidybos lazdos, esančios šalia savo veikėjo - Osvencimo kalinio, kuriam buvo pavesta išvalyti po egzekucijų, kai jis bando surasti rabiną, kuris padėtų palaidoti savo mirusį sūnų. Bet tas lavonas yra kažkas iš „MacGuffin“ Nemeso psichologiniame trileryje, kuris beveik visiškai nušaunamas iš arti, nes seka kiekvieną pasiutusią stovyklos akimirką. Nepaisant to, kad „Sauliaus sūnus“ yra žiaurus ir galiausiai dominuoja niūromis aplinkybėmis, jis priveda mus prie savo desperatiškos vyriausios užduoties išsiaiškinti, kaip net blogiausiais atvejais noras išgyventi suteikia tam tikrą vilties įspūdį. Tai nėra tik naujo tipo holokausto filmas; „Sauliaus sūnus“ egzistuoja savo klasėje kaip dinamiškas išgyvenimo portretas, įmanomas prieš neįmanomus šansus ir mirties neišvengiamumą iškart.



SKAITYTI DAUGIAU: Kodėl mes džiaugiamės „Dvasios apdovanojimų“ nominacijomis



Top Straipsniai